Recensione della storia del lato ovest

COMPLOTTO: Un nuovo adattamento dell'iconico musical di Broadway, un giovane uomo e una donna si innamorano nonostante si trovino su lati separati di una rivalità tra bande che potrebbe fare a pezzi la comunità.

REVISIONE: Dopo diversi decenni trascorsi ad affrontare qualsiasi cosa, dagli squali assassini ai drammi della seconda guerra mondiale, dai film biografici su Abraham Lincoln ai giochi di realtà virtuale, Steven Spielberg ha finalmente avuto la possibilità di realizzare un buon musical vecchio stile. Per il suo primo tentativo, ha deciso di affrontare quello che forse è indiscutibilmente *il* musical— Storia del lato ovest . Primo vivere come a Sensazione di Broadway da Jerome Robbins (regista) Leonard Bernstein (musica), Arthur Laurents (libro) e Stephen Sondheim (testi), è esploso in piena fioritura come un film classico adattato vincitore di Oscar (dieci di loro, per l'esattezza) che lo ha portato ulteriormente nel mainstream. Anche un regista con la statura di Spielberg non avrebbe potuto affrontare una sfida più scoraggiante. Eppure, di fronte a questa sfida, con questo spettacolo amorevole, magistralmente realizzato e recitato brillantemente per tutti i sensi, può aggiungere un altro fiore all'occhiello che consolida il motivo per cui è il maestro assoluto del suo mestiere.

Mentre il musical (a sua volta un adattamento di 'Romeo e Giulietta' di Shakespeare) ha più di 60 anni e il film non è molto più giovane, Spielberg e lo scrittore Tony Kushner (Spielberg's e Lincoln ), ha avuto il buon senso di cambiare molto poco l'ambientazione e i personaggi. Ambientato negli anni '50, due bande di strada combattono per il controllo del territorio nell'Upper West Side di New York, che sta subendo una massiccia revisione mentre gli edifici vengono demoliti per far posto a complessi di lusso. Da una parte ci sono i Jets, formati da uomini bianchi (guidati da Riff, interpretato da Mike Faist) che si sentono messi da parte dalla società e dalle famiglie che non li volevano e che sentono che il quartiere è loro di diritto. Dall'altra parte ci sono gli Sharks, formati da immigrati portoricani (guidati da Bernardo, interpretato da David Alvarez) che cercano di farsi strada in America e proteggere la loro comunità. Nel mezzo di tutti i brontolio, i numeri di ballo e lo schiocco delle dita ci sono Tony (Ansel Elgort), un ex Jet che cerca di riformarsi dopo aver quasi picchiato a morte uno Squalo, e Maria (Rachel Zegler), la sorella di Bernardo che cerca di ritagliarsi la propria strada.

Chiunque abbia visto il musical o visto il film si sentirà abbastanza a suo agio nel saltare nella storia, e forse questo potrebbe anche essere un difetto per coloro che sperano in qualcosa di leggermente diverso. Ma rimanendo vicini al materiale originale – anche se ciò significa sentirsi un po' in debito con il classico del film – Spielberg e Kushner lasciano più che sufficienti i propri timbri per dare al film la propria voce, il tutto onorando la provata e vera bellezza di la storia originale. Per cominciare, l'ambientazione rende più una casa fuori New York. Sono finiti i teatri di posa e al suo posto c'è la New York degli anni '50, con ballerini sudati in abiti sporchi che trasformano strade ed edifici demoliti nel loro palcoscenico di Broadway. Da un punto di vista cinematografico, mi ha ricordato molto l'altro grande musical ambientato a New York di quest'anno, Nelle Alture , trasformando anche aree della città in grandi campi da gioco per gli incredibili numeri di canti e balli.

Immediatamente, la prima cosa da cui sono rimasto e tutti gli altri sono rimasti incantati è il linguaggio visivo immediatamente avvincente. Come se tutto ciò che ha fatto fosse stato semplicemente un test per questo incarico, Spielberg, lavorando con l'unico Janusz Kamiński come direttore della fotografia, i montatori Michael Kahn e Sarah Broshar e un geniale reparto di produzione e arte, ha organizzato una scena e una sequenza meticolosamente realizzate dopo altro. Con momenti come l'energia scattante dei Jets che si passano i barattoli di vernice l'un l'altro che li porta a dipingere l'arte di strada della bandiera portoricana nell'atto di apertura, o l'energia della folla in palestra che porta a ballare numeri che li mettono in faccia. a faccia a faccia durante 'The Dance at the Gym', Spielberg sembra sapere nelle sue ossa come lasciare che il ritmo di una scena aumenti e cresca in ritmi visivi accattivanti che ti lasceranno a terra. È meno come se stesse semplicemente cercando di mettere un musical sullo schermo o ricreare il film del 1961, e più come se stesse usando materiale iconico per creare un'energia unica e trasportatrice, sapendo esattamente quando individuare l'esatta emozione con un'esclamazione visiva accattivante .

Come prevedibile con Kamiński, c'è un aspetto naturalistico che suona familiare, diciamo, al suo lavoro Lincoln , ma ciò non nasconde mai il flusso di colori vivaci che possono dominare numeri come 'Gym' e 'America'. Ma per quanto il film appaia meraviglioso durante i grandi numeri, sono rimasto molto estasiato quando si trattava di piccoli momenti intimi, specialmente tra il nostro duo centrale innamorato. Dal momento in cui fissano gli occhi in mezzo alla folla che balla, c'è questo bagliore perpetuo intorno a loro che è pronunciato contro l'uso delle ombre del marchio di fabbrica del DP. Molti dei loro momenti più intimi insieme sono straordinariamente commoventi grazie al fatto che Kamiński trova nuovi modi per giocare con luci, colori e ombre e al modo in cui tutti enfatizzano la loro crescente connessione man mano che si avvicinano l'uno all'altro. Praticamente in sincronia con Kamiński a questo punto, Spielberg sa come inquadrare il tutto per ottenere il massimo effetto in una scena accattivante dopo l'altra. Il fiore all'occhiello è la famosa sequenza della scala antincendio 'Tonight', che qui è una straordinaria combinazione di quell'intricata illuminazione e messa in scena che è assolutamente avvincente.

Un capolavoro tecnico, è un imbarazzo per la ricchezza che ci siano anche così tante esibizioni straordinarie. Zegler nei panni di Maria è una meraviglia ipnotizzante nata per il grande schermo, con la sua voce e performance straordinarie che ti coinvolgeranno e ti spezzeranno il cuore, assicurandoti di affascinare il pubblico e assicurarsi che lascino i cinema conoscendo il suo nome. Inoltre, Ariana DeBose nei panni di Anita, Alvarez nei panni di Bernardo, Faist nei panni di Riff e il ritorno di Rita Moreno (che ha interpretato Anita in un ruolo da Oscar nel film del 1961) nei panni della proprietaria di un negozio Valentina sono knockout. DeBose, in particolare, uscirà sicuramente da questo insieme a Zegler, con una performance sensuale, divertente, straziante e ulteriormente incoraggiata da un eccellente lavoro vocale e di ballo. Per alcuni, potrebbe persino rubare l'intero spettacolo. Come Tony, anche Elgort fa un buon lavoro e mostra le sue pipe. Non direi che è un anello debole, è vero che non ha lo stesso splendore degli altri come un giovane affascinante, se non terribilmente avvincente, che cerca di andare avanti dai suoi peccati. Eppure, non c'è una vera nota debole nel gruppo, con tutti completamente in gioco per il flusso dei testi di Sondheim e coreografie di danza sbalorditive.

Forse il cambiamento più significativo nell'esecuzione del materiale è nel modo in cui Spielberg e Kushner hanno scritto le interazioni tra i membri della comunità portoricana, principalmente nel fatto che gran parte del loro dialogo inglese è interrotto con lo spagnolo. Il pubblico noterà sicuramente come non ci siano sottotitoli per queste scene e, sebbene ciò possa sicuramente causare qualche dissenso, funziona completamente nel contesto dei personaggi. Mentre Anita li spinge tutti a imparare a parlare in inglese, i loro grandi confronti tra loro si spostano naturalmente, logicamente in spagnolo. Il tono delle scene fa sì che i parlanti non spagnoli come me possano ancora capire le emozioni dietro le parole e, in definitiva, è stata una mossa forte che rende questi personaggi davvero naturali e le loro interazioni più avvincenti.

Parlando di avere una sensazione più naturale e radicata in tutto, è in quell'approccio moderno che questo nuovo Storia del lato ovest può sembrare un po' confuso a volte, dal punto di vista tonale. Nonostante tutto il sottotesto sociale e l'eventuale oscurità nelle canzoni e nella narrazione, non si può aggirare il modo in cui brani musicali come 'Gee, Officer Krupke' e 'I Feel Pretty' sembrano un po' fuori luogo. Quest'ultimo è un pezzo frizzante con Maria e i suoi colleghi che cantano e ballano intorno a un grande magazzino, che arriva subito dopo una delle scene più tragiche del film. Lo stesso vale per una sequenza che coinvolge un'aggressione, che sembrava un po' troppo cupa. Non c'è dubbio sul motivo per cui alcune canzoni non vengono tagliate, e mentre per i personaggi hanno sempre un senso in termini di sviluppo, non si può negare che a volte possono sentirsi fuori luogo. Lo scopo è rendere il film più realistico e realistico giustapponendolo alle canzoni più sciocche e esultanti che possono avere l'effetto più smorzante, anche se solo lievemente.

In molti modi, quello di Spielberg Storia del lato ovest mi ricorda il suo Lincoln . Entrambi sono film che funzionano all'interno di un quadro specifico e non stanno esattamente cercando di reinventare le ruote. Ma la pura maestria dell'artigianato su entrambi i lati dello schermo assicura che, anche se ti sembra di aver già visto questa canzone e ballare, ogni piccolo dettaglio anticipato è il più perfetto possibile. Il risultato è una storia di cui conosci la fine, ma il viaggio è così avvincente da cima a fondo che non ti interessa nemmeno. Questo nuovo Storia del lato ovest ha molto da fare e, per quanto possa sembrare familiare, il lavoro svolto a tutti i livelli è così fenomenale che sembra nuovo di zecca e completamente inebriante dall'inizio alla fine, dimostrando che dopo 50 anni di gioco, Spielberg non ha perso un grammo della sua capacità di abbagliare e mandarti sulle montagne russe emotive.